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四川大学宗教研究所所长陈兵教授，在他的书《生与死》中，也描绘了他自己的几次元神脱体的情况。见《生与死——佛教轮回说》 陈兵教授 著
　　
　　第三节　脱体经验
　　
　　　　 脱体经验(Out of the body experience)，缩写OBEs，一译“灵魂离体经验”，心灵学的诠释是：“一个人似乎从身外的角度知觉世界并常常报告说看到了自己躯体的一种经验”(《心灵学》523页)。“星际投射”、“行进的遥视”、“超感官知觉的投射”，都曾是用来描述这种现象的词汇。古籍中所载神游、魂游、入冥、出神、灵魂出窍等，及许多濒死体验，都可以看作脱体经验一类。
　　这类在中国古籍中屡见不鲜的特殊经验，在西方人士中也非属罕见。前述十七世纪瑞典著名科学家斯威登堡，从55岁到84岁逝世，每日接连做神识脱体的“白日梦”，在“梦”中神游天上地下，会晤天使和众多古代帝王、圣人的魂灵，与月球、水星、火星人交游，对其神游经历有详悉的记述。他依神游经验及与天使的交谈，创立了“幽明对应”理论。对神游、脱体一类现象的研究，在西方已有一百多年的历史。早期对这类经验的最流行的解释，是以神知学说为基础的“星际投射”说，这种理论认为人有可与肉体分离而出游的“星际躯体”(Astra body)——一种略似灵魂的东西。1929年，英国卡林顿与美国马尔登合著的《离开躯体的灵体》，列举有许多灵体神游的事例。后来，为避免与星际投射说混淆，心灵学一般称此类现象为“脱体经验”。
　　　　 据有关专家们的调查统计，脱体经验是一种相当普遍的体验，有这种经验的人出乎意料地多。从美国、英国、冰岛、荷兰等地调查的大学生和市民中，承认有过脱体经验的人，竟然占8—34％，有许多人有数次脱体经验，个别人声称能任意引发这种经验。这种经验与宗教信念和兴趣无关。大多数有这种经验的人都坚持说，它们与普通的梦境不同，在脱体经验中能更清晰地思考、回忆。并非所有的脱体经验都牵涉星际躯体或幽灵。
　　　　 脱体经验的一般事例，如格林所调查的一名妇女自述：她那时病势沉重，躺在病床上，病房是L形的，根本无法从病床上看到拐角处。一天早晨，她感到自己飘浮起来，俯视着其他病人，看见自己正*在枕头上，十分虚弱苍白，她妹妹和护士带着氧气冲到她床边，拐角处的病床上，有个头上缠绷带的大个子女人坐在床上，用蓝毛线织东西，脸蛋很红。忽然，一切都变成一片空白。等她睁开眼睛时，看见妹妹正伏在她面前。她告诉妹妹刚才的体验，妹妹大为吃惊，因为她所说的情景完全符合事实，而这不是躺在病床上昏迷的她所能看得见的。
　　　　 有这种经验者，都把他们的体验描述得逼真生动，说在脱体经验中，视觉要比平时更为明亮清楚，视线能穿透墙壁，能怀着一种轻松惬意的愉快感随意行走，任何实物都不能阻碍其行动。但当他企图移动某物时，他几乎总是失败。力图使别人看见和感到自己的尝试也总是失败。在被诊断为死亡而又复生者和濒死者的体验中，多有脱体经验发生，大多数脱体经验，出现在身心松驰，如正要躺下去休息、松弛地坐着之际。有的脱体经验中有能遥视远方等超感官知觉。
　　　　 西方有关方面的专家用多种方法对脱体经验作了探测研究。对一些能随意进入脱体经验的人用各种仪器测试的结果表明，在进入脱体经验时，心率、脑电图、眼动等生理指数都逐渐发生了变化，然与睡眠和作梦时的这些生理指数有别，说明脱体经验并非在睡眠中发生，是与一般的梦不同的一种特殊心理状态。用磁强仪、紫外线和红外线探测器、应变仪、热变电阻器及磁电效果探测器等测定脱体经验时，很少发现仪器上有反应，说明脱体经验中没有已知的物理实体逸出体外，或逸出体外的东西难以探测，尚未找到可*的探测方法。1975年，帕尔默及其同事们通过放松身体、呈示单调的声音和景象，加上脱离身体的暗示，成功地使受试者们获得了脱体经验。研究者们还对脱体经验中的超感官知觉进行了测试，结果表明其命中率比在直接的超感官实验中测试到的略高些。1973年，美国奥西斯测试的l00名受试者中，有15％能提供脱体后辩物的可*证据，有些事例证据确凿。
　　　　 脱体经验在西方人士中既然普遍发生过，在中国人身上也不应该没有。笔者曾听一些人讲述过他们的这种经验，甚至还听到过有能入冥之人。笔者自己从19到29岁的十年间，曾有过六次脱体经验，这种经验与西方专家们调查的一般脱体经验有所不同，其特征主要有以下几点；一、每次都是被动发生的，多是在躺下休息时，先听到一种奇特的声音(后来才发现是佛经中的一句咒语)，而后听到说：“某某来请”，或内眼看见有古装“人”在眼前突然出现，其时一切都非常清晰，绝非做梦。然后觉得自己的意识乘着一种能量从身体的某个部位(面部、胸部、腹部等)猛然脱体而出，脱出时有挣脱身体内的一种吸引力之感。二、离体后即可发现，自已仍有身躯，但与本人长相衣着不同，为一披发、白衣的古代童子形状，每次所见皆同。此“我”能看见自己的肉休躺在床上，其体质和行动自觉与肉体不同，自然能穿门透壁，行走甚速，行时作“环走”状，足似不触地，危急时能升于空中，远距飞行时速度愈来愈快，最快时只觉自已为一极小的粒子，二千公里路程，约半小时可到，在空中飞行时能看到火火车和飞机在下面慢慢移动。当穿过墙壁、门窗、屋顶等障碍物时，回头一看，身后有无数道微细金光迸射，当进理解为自身与实物擦撞而生的光电效应。三、离体之“我”意识清晰，不同于梦中，虽能意识到自己是离体之“魂”，但对自己是谁，变得模糊，有时觉得曾是另外的某人，有时自忆本从天外而来，暂时寄身这个世界，已辛苦备尝了。四、离体之后，有时先见光明灿烂，有如春日骄阳，而光有清凉感。所见熟识之人，皆与平时所见形貌不同：有的身有光明，可见其内脏，有的一团漆黑，有的现某种动物凶猛之相。能听见人们说话，但觉其声远而又近，隔着一个难以言喻的界限。能清晰看见并听见其语声同属一界者，主要是自称为钟离权、吕洞宾及天使、龙王、土地神一类仙、神，还看见有古装武土等在电线上空飞行。他们的形貌基本如人，多为明代以前古装，与人的主要区别，在于人是光照于其面部有明暗之分，仙神们则光从其自身发出，眼眸不动而目光中蕴含深沉智慧。他们称离体之“我”为生魂，叮嘱应尽快归还“本宅”，时间久了对身体有损。有时有政治、人事方面的预言，后来都有应验，还见到一些亡故之人，如已死去50多年，连父辈都不记得的祖父，然只能远观，见其为一黑影，告言死后境况，谓见离体之“我”光明炽盛，不能接近。五、每次离体时间，多为二小时左右，最长曾达六小时，时间稍长后，即有饥乏与无归属感，终而回归肉体。先在肉体前回忆此次经历，确认有归入此肉体之必要，然后卧于肉体之上，便立即如梦初醒，醒后虽意识清楚，而觉胸闷不适，四肢僵冷不能活动，需经一二小时后方慢慢温热能动，下床行走时犹觉腿关节僵硬，往往跌倒。
　　　　 笔者最离奇的一次脱体经验，是在1974年农历四月初七日傍晚，晚餐后躺下休息时，忽见有周朝衣冠的人来迎，脱体后迅速飞升，看到了地球外“大香海”中的仙山和四层天宫，当到第四层天时，如回老家，自然记起那是曾生活过几千年之久的兜率宫。在那里见到了佛教、道教二教的教主各自说经的场面，目睹玉皇大帝、耶稣基督、圣母、穆罕默德和多位东西方古代圣哲们听释迦牟尼说法。游览了西方极乐世界，有自称摩诃目键连者，称“奉佛法旨，为你演化十二因缘”，只觉头上白光一闪，即退回无数劫前，重现无数轮回历程，又自觉于未来恒久修菩萨道，一级级上进，最后于将来大火劫中，作为994位大菩萨之一，从火海中运载众生达安乐处，终至成佛。其间自觉历时数万劫，而实际只用了几个小时，可谓至极稀奇。回归肉体后虽多半忘失，但在禅定中能部分呈现。其中所闻佛教术语如“十二因缘”、“唯心所现”等，皆为此前所未曾见闻，回归后数月方从佛典中发现。所见无量寿佛赤色形相，于十多年后看到藏传佛教的无量寿佛像，才发现与之相近。这一神游“奇梦”，使笔者激动不已，当时在天外曾想，为将这见闻回报于人类，还须返回人间。笔者由此而引起研究佛学的浓厚兴趣，在钻研了显密诸家的教义十多年后，确认总体佛法与自己“演化”体验中所蕴含者一致。笔者曾多番反省研究这次体验和自己当时的心境、生活条件等，自认为绝非解释为一个偶然的奇梦便可说服自己。一个在当时毫无宗教知识信息储存、日常沉迷于作“大革命”中口号式歪诗的人，能作出这种奇梦，是不可思议之事。
　　　　 道教内丹学宣扬：炼成“元神”，可随意“调神出壳”，离体漫游。出神又有可令人见的“阳神”与人不能见的“阴神”二种，阳神只从顶门出，阴神从眼耳等窍穴中出。佛教《楞严经》卷九说，修禅定达受阴尽(当于第四禅)者，“其心离身，反观其面，去住自由”，“心离其形，如鸟出笼”，藏密称修成“幻身”和“颇哇”法者，其神识可从顶门梵穴离体而出游。此说是真是假？笔者功夫未到，不敢妄言。仅听几个朋友自称能出神。一位修炼内丹多年的朋友，自言一次出神后，有人看见他在某处行走，得到证实。一位上海气功师，自称与其一百多名弟子，都能随意出神。笔者所在大学的一个男生宿舍里，据说便有三个练气功的学生能出神，一位广东籍同学为证明是否真有其事，在回家前夕出神到家中，弄响一件东西，回家后验证，家人于其时果闻怪声。这类经验若真属实，对于揭破自身秘奥，无疑极富价值，人体科学理应将其列入研究课题、告诉世人一个经科学验证的明确答案。
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　　陈兵教授《生与死——佛教轮回说》一书，在中国佛教界影响很大，现摘录其中一段。全书可见：
　　
　　http://post.baidu.com/f?z=94218919&ct=335544320&lm=0&sc=0&rn=50&tn=baiduPostBrowser&word=%D0%C7%B9%E2%CC%E5&pn=0
　　
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出版过十三张专辑之后，「歌德之王」Nick Cave毅然放下他的伴奏乐团The Bad Seeds，另组新乐队Grinderman，到底是甚么的一回事？

自2004年发表过一套双张的Abattoir Blues / The Lyre Of Opheus专辑，Nick Cave & The Bad Seeds经过这个他们所指的「重新调和」时期后，似乎并没有留下明确的去向。反之，之前The Bad Seeds要员Blixa Bargeld（亦即德国工业乐团Einsturzende Neubauten主脑）在02年离队，那难免对乐队构成一定程度的影响。甚至笔者倒有一种The Bad Seeds已不张扬地名传实亡、遭老Cave搁置之感。

所以，近年我们可看到这位「黑暗上帝」展开了在Nick Cave & The Bad Seeds以外的音乐活动。如在去年，他便与澳洲墨尔本Post-Rock乐团Dirty Three灵魂人物兼The Bad Seeds成员Warren Ellis，联袂为John Hillcoat电影Proposition带来原声配乐专辑，二人又一起替剧场Woyzeck和Metamorphosic创作音乐。然之后，Cave 亦组成了他的新乐团Grinderman。

重投粗獷、骯脏、荒芜、血淋淋与蓝调的车房摇滚声音，是Grinderman的音乐大前提。甚至在录音过程中，Cave表示有如回到Nick Cave & The Bad Seeds的1984年首张专辑From Her To Eternity之感觉。

弹奏结他
Grinderman为一行四人的乐团，除了Nick Cave外，还包办小提琴、中提琴、结他、电Bouzouki琴的Warren Ellis、追随Cave已有十五年的低音结他手Martyn Casey和来自著名Psychobilly乐队The Cramps的鼓手Jim Sclavunos，三人都全是The Bad Seeds的团员。那么乾吗Nick Cave要搞队Grinderman出来？

最主要原因，是Cave不想再站出来当Frontman，而宁可作为一队四位一体乐团之一员。而他亦认为，一支四人乐团，合作起来乃比起The Cave Seeds更见效率。

另一方面，是没有Blixa Bargeld、没有Mick Harvey等结他手，在Grinderman里弹奏结他就是Cave本人，这也是Grinderman之声音与The Bad Seeds的一大迴异之处。影响他最大的结他手，是蓝调唱作人John Lee Hooker。

当Cave为这批歌曲录製Demo时，他已用上结他伴奏。本来Cave是打算为Grinderman找一名结他手，但Warren却提议：「何不由你亲自弹奏呢？」

Warren形容Cave的结他弹奏既不是节奏、也不是主奏；Cave说他以往用钢琴作曲，他会很清楚下一个和弦是甚么，反之这次他用上结他却不然，令他在创作上重拾回一份初生之犊。而他在写作歌曲时，也减低了歌词的主导性。

不拖泥带水
2006年2月，Grinderman进入了伦敦的Metropolis Studios，以一连五天时间进行马拉松式Demo Session，打造了一大批约四十多首的歌曲。到了4月，Cave等人在近年跟他合作无间、也是早年曾为The Birthday Party的Nick Launay担纲监製下，於伦敦的Rak Studios展开录音的工序，只花了一星期时间而已。

Grinderman的首张同名专辑Grinderman，就是这样衍生。所看到，是Cave採取速战速决、不拖泥带水的创作方式。

Cave说他将五十岁了，他已不会去做他不想做或不享受去做的事情。他不想再呆在录音室里玩脑震盪、兜圈子的创作方式，他需要的，就是放下一切，与乐队进入录音室，彼此擦出火花。

所以在Grinderman专辑里，已几乎听不到以往他那种縈绕心头的Ballad曲目，换上是一股粗獷的Garage Rock张力，而且还要是血淋淋的。(看到Cave与Warren等人站出来的模样，亦儼如一群黑帮或杀手般。)

但Cave强调他不认同别人拿上The Birthday Party来跟Grinderman作比较，因为他们并没有The Birthday Party的「反音乐」No Wave态度，反之他们是很有蓝调及乐与怒的根源。

难以估计的粗獷
在Grinderman的Garage Rock声音背后，我们听得到乐团浓烈的蓝调摇滚底蕴，但当中却蕴含著难以估计的粗獷气息，捕捉了其不羈而骯脏的声音，这也是Nick Launay之製作特色——不会让录音室製作抢过乐队的张力。

最先以七吋单曲形式发行的Get It On，那怪兽式Distorted结他Riff犹如脱韁野马而来。那还不特止，由Martyn一手Fuzz Bass牵引出的新单曲No Pussy Blues，Warren如排山倒海的狂野提琴噪音一出，即叫人听得血脉賁张，他们绝非善男信女。而此曲的MV亦同样由John Hillcoat。Grinderman即使没有叫你联想到From Her To Eternity，但至少也可以跟The Bad Seeds充满蓝调摇滚底蕴与噩梦般幽暗的1992年专辑Henry’s…

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人類對聲音的探索從未間斷。一種新樂器音色或新樂風的誕生，就表示人類在聲音的實驗上又進了一步，當然一定也會被保守人是譏為噪音。新的聲音會包含兩個面向，討人喜歡的、不討人喜歡的。NOISE一字語出希臘文，本身就具有新事物的意思，到了英文卻變成令人不悅的聲音…統稱曰噪音。

實驗音樂一詞是經過古典音樂幾百年的醞釀，在19世紀工業革命後才產生的名詞。當音樂欣賞走向大眾化時，音樂家之中也已經開始有人不安於調性的現狀，於是從後浪漫派、印象派開始，便開始有些古典作曲家偏離了調性這條路。古典音樂家荀白克（奧1874∼1951）與史特拉汶斯基（俄裔法籍1882∼1971）更在1910年代建立了現代音樂的里程碑。不規則的節拍和排列迥別於以往的音程，還有各式各樣的記譜方式，同時考驗了演出者和指揮家的專業技巧，也在西方世界到處種下實驗音樂的種子。

經過兩次世界大戰的洗禮，在文化藝術運動的進展中，實驗、前衛音樂圈的先鋒們不斷蛻變，並像最早發明音樂的老祖先一樣模仿生活中的各種聲音，收音機和錄音器材也納入創作素材，最後產生一種「具象音樂」類型。這裡又不得不提到幾個名字：瓦雷士、約翰凱吉、謝納奇斯、皮耶昂利、斯托克豪森、夏佛。他們是實驗音樂電子化的先鋒，在電子合成樂器還未發展成型時就已經先用盤帶作曲（如改變速度或剪貼磁帶），有了那些器材後更做出跟傳統樂器完全不像的各種音響，或是結合器樂與電子音響，創造更龐大的聲音。

到了50年代，世界上主要的電子音樂實驗室，如美國的貝爾、德國的西德廣播科隆（WDR Koeln）、日本的ＮＨＫ電子音樂室，以及一些新音樂夏令營隊，也就變成現代古典和實驗音樂的溫床。電腦的開發更是一大助力，略下不談。

瓦雷士先以器樂模仿各種音響，後來加入更多電子音響；凱吉率先把大小異物塞進鋼琴弦，以及留下名垂青史的沈默『四分33秒』；建築師謝納奇斯用電子噪音講希臘神話（台灣的打擊樂團常常公演他的作品）；夏佛和昂利共同開啟了錄音帶作曲的新方向，昂利更把60年代最尖端的電子音樂跟搖滾、芭蕾舞結合，『當代彌撒』成為實驗音樂與迷幻搖滾的必聽經典；斯托克豪森帶著他的弟子們以及妻妾所生的兒女們，演出博大艱深的實驗音樂；這些作曲家和文藝思潮的結合，也對流行音樂、爵士樂起了作用。

又要提到幾個字眼：普普藝術、抽象表現主義、FLUXUS運動、極微主義藝術、藝術家安迪沃荷、非法利益樂團、失蹤回來的披頭四、詩人威廉布羅司、中國十年浩劫與西方左派學潮，以及爵士樂方面的桑若、西索泰勒、安東尼伯拉克斯頓等前驅人物。

台灣的實驗音樂始於當年有錢留歐留美的文藝青年，作曲家許常惠留法回台後，於1960年創設「製樂小集」，當然在到處是田的台灣社會裏是起不了作用的，所以他們受了挫折後，開始下鄉進行民間採集，留下豐富文化資產。林二留美期間率先接觸了電腦音樂，作品仍以調性為主，三十歲以上的讀者應該有印象。電腦音樂透過陳揚的作品進入台灣通俗音樂。周文中曾是瓦雷士晚年的得意門生，溫隆信也跟一堆第一線當代作曲家密切來往，還有很多本地作曲家的一些作品都很有實驗精神，但是跟今天的主題關係不大。從這邊開始要導向通俗音樂中的實驗音樂範圍。

前面扯了一大堆嚴肅作曲家、藝術流派運動，其實對於我們所接觸得到的實驗音樂來說，個個都是重要的影響元素。一派搞藝術、音樂的人，紛紛向披頭四晚期的幾張概念專輯、麥克歐菲爾德的『管鐘』與平克佛洛伊得的『月之陰暗面』看齊。有些則試著把音樂作品加上更多異端、殘酷寫實或Ｂ級片的元素，後來影響了歌德、重金屬等流派。

一派嬉痞專搞長時間即興演奏，變成世界音樂的先行者。一派結合了大量電子樂器於迷幻搖滾之中，被稱之為「德式泡菜搖滾」。一派不會彈奏樂器的人在高架橋下敲打破銅爛鐵以討論工業時代的社會問題，或歌頌軍國主義，變成工業噪音。一派受到龐克的影響，變成毀滅性的吉他噪音；到了日本受到更多黃色書報電影的影響，變成所謂的日式噪音。一群升學壓力當前的台灣青年學子，以噪音顛覆了吉他之夜，他們變成了濁水溪公社。

實驗音樂圈內的交流由來已久，在網路頻寬被少數專業人士操控之時，作品的郵寄交換和小型實驗音樂會是主要的媒介。用表演、賣唱片賺到的錢所投資的新器材，也陸續成為表現的工具。現在網路實現了「地球村」的理想當年貴松松的電子音樂器材也變得容易得手（如下載或線上購買），作品和意念流通更形方便，實驗音樂反而變得更加差不多，則是值得那些現在還在搞實驗音樂的人好好思考的問題。

链接
http://ok.wg818.com/1225/www/

或者:

http://www.xici.net/b296377/d51216426.htm

真的特准！！


测完后回帖啊

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*英国音乐奇才首张凄美浪漫创作 　　
*英国The Guardian四颗星高评 　　
*收录各大音乐杂志超高评价浪漫曲 "Strange & Beautiful"及"Good Times Gonna Come"、"Just For A Moment"等佳作

专辑介绍:
2002年夏天，福斯汽車金龜車系列(VW Beetle)電視廣告採用〞Strange And Beautiful〞作為廣告歌，廣告亮相後，詢問電話此起彼落地湧進電視台、廣告代理商、汽車公司、電台，大家都想知道這支30秒廣告片的美麗音樂是誰唱的，寫歌與主唱正是Aqualung樂團的靈魂人物Matt Hales，該團在同年9月以這首單曲打進英國金榜TOP 40，首張專輯「Aqualung」隨之搶佔英國金榜TOP 15，唱片賣了20萬張，這對新進樂團算是不小的鼓舞。
2005年,aqualung继续推出这种以处女作中大受好评的歌strange and beautiful为唱片名的新专辑.收录了strange&beautiful,good times gonna come,Easier To Lie,Another Little Hole等经典曲目.还有乐队最新的创作.与其说这是一张新专辑.不如说是他们的一张小小精选.瀰漫著暗調卻又迷人的搖滾歌曲，在弦樂的\罩下，Matt Hales的歌聲顯得格外溫和柔雅，想要不被這樣的歌聲所迷惑實在有點難.仔細聽專輯裡的每一首歌，你會發現，樂器聲與弦樂的情緒比起Matt的歌聲可是搶眼多了，而或許也正是Matt這樣溫和、平實到近乎不起眼的脆弱情緒，一份介於流行搖滾與古典樂的靜態美，輕輕的觸動聽覺的情緒.
歷史總訴說著成王敗寇的故事，族繁不及備載。搖滾史亦然。有人走得顛仆坎坷，任憑他的音樂多麼具有啟發性，或者根本超越了時代。少了名氣、沒了聲音，終究會在那旁人寫就的族譜裡隱去名姓。我們差點就這樣失去了Aqualung。幸好，故事有了轉機。

乐队介绍:
早在'92年，一個名叫Matt Hales的小夥子跟著弟弟與幾個朋友，組成了The 45s開始玩團。Matt Hales堪稱是位音樂小神童，4歲開始學寫歌、11歲時學校委託他做校歌、16歲領著獎學金去鑽研作曲、17歲完成第一首交響樂作品，自己指揮60人的樂團演出。除了古典音樂創作才藝外，Matt Hales對優雅的搖滾歌曲創作也是有一套，唸大學時，就在校門口賣起與哥哥Ben翻唱The Police樂團歌曲的錄音帶，取得倫敦市立大學音樂學位後，轉往Guildhall學了兩年的作曲，並在BBC所擁有的「Maida Vale Studios」錄音室學習錄音與製作技巧，同一時期，Matt所作的古典音樂在著名的'Royal Albert Hall'音樂廳受到熱烈迴響
這樣的神奇，一切卻都在組了團之後改變了。就像所有你曾聽過的樂團發跡史，錄試聽帶、找地方演出、希望跟唱片公司簽約發片等等同樣的經歷，他們甚至改了團名為The Ruth。儘管有了電視曝光機會(如全國性的樂透節目)，也完成了第一張專輯，但推出的暖身單曲要不石沉大海，或勉強爬進前100大，專輯的前途堪慮，唱片公司於是收手不玩了。
，自組的Ruth樂團與唱片公司簽約，錄製了首張專輯「Harrison」，Ruth雖然在混戰中消失，一年半後，Matt在倫敦另組The 45's樂團，並在2000年夏天與環球音樂簽約，但依然沒能玩出什麼名堂，Matt於2001年春天退出該團，決定要以Cornelius為學習對象，埋首於個人專輯創作，同年秋天，原定名為「Strange And Beautiful」的專輯完成，就在廣告商的強烈推薦下，作品曾被三菱汽車用作廣告歌的Matt再度以〞Strange And Beautiful〞雀屏中選為福斯汽車的電視/電影院廣告歌，Matt的人生這就樣徹底改觀，而與哥哥Ben籌組的Aqualung樂團也跟著誕生。
誕生於雙親開設的小唱片行樓上的他，似乎命不該絕。因為他的第一支單曲 "Strange & Beautiful"被廣告人相中，用作福斯新款金龜車(VW Beetle)電視廣告主題曲，頓時全英國的電視跟戲院四處皆可聞那首歌，Aqualung就此一夕成名，單曲順利攻進十大熱門榜 (No. 7)，徹底翻轉了他幾乎以為無望了的音樂生涯。而他的首張專輯也終於正式發行。那些獨自在家中，以傑出的主奏鋼琴與簡單的合成節奏完成的歌謠，憑藉著他的古典背景，為那些感傷的氣氛提供了傲視同儕的紮實基礎。仿若脆弱的Thom Yorke，或者不那麼華麗的Rufus Wainwright哼唱著自己的關於愛與失落的故事。動人如斯，怎能錯過！
AQUALUNG

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后现代主义给我们带来承袭自达达主义的呓语和芜杂，使得这个时期的艺术变得比任何一个时候都要让人摸不找头脑，有的时候形式本身是浅薄的，有的时候作者要表达的命题远没有那么有价值。这种嘈杂的背景下音乐本身也经历着冲击。

现在新媒体艺术对于现有的艺术形式又产生了一定的发展和影响，不过大多数作品还是从一种外部的思维来影响音乐（当然作者也需要对音乐有一定的了解），而不是从音乐的内部技术（比如最近有这样一个作品是利用记录音乐家演奏时的心脏节律等，采用一种外部的方式影响音乐）。

有一天我去拜访以为老师，他讲了一句非常精练的语言（几乎是可以盖棺定论的）非常值得人思考：电子音乐改变了音乐的符号。

这句话成为彻底把我从对音色的沉溺里叫醒的一个强有力的信号，因为电子音乐首先改变的是音色和创作制作方式，而不是创作的逻辑思路和思想。

音乐从久远产生以来，由于人类的感知能力的限度所能被分辨的根本要素是音高、节奏、和音色（也就是说如果将来某些“生化人”或者“人机一体化”肌体，可能会具有的advantage性能会在改变人类机体基本技能如更精确的声音辨别能力的情况下，改变人类欣赏音乐的习惯，从而形成音乐的根本变革），此外还有响度，频率和方向性，频率其实就是音高，方向性比较有趣，人类对声音的前后和左右的感知更敏锐，而对声音的上下不太敏感，因为我们不是老鹰。

而主题是音乐传播的重要特征，有一句话是说，再长的音乐只要听三分钟就能知道好坏。为什么？因为不太有音乐的篇幅是大到前奏有三分钟的时间，前奏只是为了引出主题，如果前奏长到三分钟，那它显然就不成为一个前奏了，因为它的印象已经固定——主题，就是以一种或者数种模式呈现出来的声音的集合；这种模式是有意义的——按照作者所明确选择的方式进行陈述，并且它是一首音乐作品其后所有内容发展的来源和矛盾冲突的源头。

也就是说，主题设计的精彩与否事实上决定了音乐的好坏，这就比如种子的优选，如果种子有缺陷那么显然长成的植物也是有缺陷的。一个好的主题通常给音乐的发展提供了丰富的可能性，刚才说到，主题是一种模式，那么模式内部可能包含这样几个要素：传达音乐内容的音高与音高之间的关系，比如横向的旋律或者纵向的和声关系；音色；节奏，在这些内容里，我认为最不能缺少的就是节奏，因为音乐是借助时间来表达思想观念的作品，如果一个音只是被持续，那么这个音在人的听觉里不久就会被忽略——我想这就是为什么人类的生活中能够承受一定噪音的缘故，比如隆隆的电冰箱、窗外的车水马龙、或者听别人唠叨——因为不久之后你的大脑就发出信号对这些刺激不产生反映。只有“节奏”没有音高的作品，我们可以拿John Cage的《4’33》作为例子。这是音乐史上具有重要意义的一个作品，演奏方法是演奏员根据谱子上标注的三乐章长度，象默哀一样不做任何演奏的举动——也就是说演奏了无声的音乐，三个乐章总共4分33秒时长。有人说现场环境就是这个音乐的音色，而且长篇大论的分析，但是这个作品最精妙的地方显然不是外部赋予的不确定的声音，而是既然是无声作品，又被分割成三个不等长乐章这个精妙的处理（这个提法来自温展力先生的BLOG，我经过思考之后觉得是很有道理的）。他是在运用最少量的素材来展示如何在时空向度上再现思考过程的可能，最后他获得了成功。可以看到唯一在这个作品上没有被省略的是节奏——休止。关于《4’33》论作很多，在这里只作为一个小的插曲引用，我们就可以很清楚的认识到为什么节奏是音乐的灵魂。

不依靠主题展示的音乐有没有？如果按照主题的严格狭义的定义（几句体什么的）没有主题的音乐还是有的，著名的例子是勋伯格的《希望》，没有主题的固定形态，但是却有一种较固定的发展趋向。这种音乐如果有的话都是很短暂。现代的声音艺术家似乎在创造着“没有主题”的音乐。他们的结构方法来自各种外部的手段，比如声音的叠加，借助某种设备或者器械来反映某种真实的声音图景，这种声音的方式的焦点不是音乐，而是声音。作者只是把声音（也包含音乐）当作作品中的一个媒介或者沟通的管道或者一种符号来使用，这时候声音可能会失去它本来的意义。因为对于这样的作品来说，产生声音的过程可能比声音的最终形态和声音在时间向度上的意义表达更重要一些。不过从人类听觉出发那些“有规律”的声音作品（注重音色节奏和强弱对比）显然更有亲和力。

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这个家伙会玩键盘、鼓、吉他，会作曲，会唱歌，把hip-hop，实验音乐、迷幻乐、流行音乐和摇滚乐完的兜兜转。形成他自己多彩、散乱、任性的后现代摇滚风格，他的所有灵感都是来自影视和唱片对现代社会的影响，歌词刻薄扭曲的可以。这张专辑走的是民谣曲风，而且是Beck失恋后写的，让他肝肠寸断的那个女孩是他谈了很多年的女朋友，名叫Leigh Limon。
当第一首歌“The Golden Age”的吉他声响起，我才发现Beck的变化真是令人始料未及。12手低调悲伤的叙事曲，让我觉得又听了一边Nick Drake1969年的专辑《5 Leaves Left》。失恋伤到了骨子里，挣扎着要站起来重新上路——“How could this love/Everturning/Never turn its light on me？”那种自怨自艾和自省变成了Beck的最后一片叶子。《Sea Change》里的歌都是70年代清澈而孤独的英式民谣，它们构成了Beck的失恋乐章，也是你在最近5年里能够听到得最悲伤、也最真诚感人的专辑。我向着应该部分归于Beck的父亲David Campbell，他参与录制的“Paper Tiger”、“Lonesome Tears”和“Round the Bend”是最的Nick Drake神韵的：阴冷、疏离，以及大量的弦乐安排。而专辑制作人Nigel Godrich曾经操刀Radiohead《OK Computer》，他给《Sea Change》加入了了若干敏感和神经质的成份，如“Sunday Sun”结尾处扭曲的安排。
《Sea Change》骨子里式民谣，但也有电子、古典、摇滚的痕迹。如果在很宁静的环境中屏息凝听，你可以隐约看到回归民谣的Bob Dylan，塑料洋子乐队时期的John Lennon，早期的Radiohead及一点点Bjork的影子。

这张专辑是beck2002年出的一张非常出色的专辑，风格是太空民谣，做得非常精细。

Beck简介：
出生时间：1970年7月8日生于美国加州洛杉矶
风格划分：独立摇滚、低保真、舞曲、非主流摇滚、创作歌手
乐队简介：Beck用他的便携式录音机、键盘、鼓机和吉他创造了属于九十年代junk文化自己的音乐。他吸取了hip-hop、民谣、实验摇滚、迷幻、流行乐和早期摇滚乐的养分，结合了扭曲而刻薄的歌词，将其融合成了一种既丰富多彩又邋遢肮脏的后现代摇滚。其折衷主义的音乐明显是一种九十年代的产物，影响他的东西几乎都是来自于电视和唱片的，而现实生活的经验则无所作为。他的音乐在音质方面是属于垃圾级的，但这正是使他显得独特的地方。
　　Beck得到业界瞩目是在1994初，他的那首hip-hop民谣单曲“Loser”在全美国的非主流摇滚电台中被广为播放，他在之后迅速由一个独立小厂牌的小人物变成了大厂牌争夺战的焦点。最后他签约于著名的DGC，原因是DGC允许他在其它独立公司发行自己非商业的作品。之后他推出了处女作《Mellow Gold》，专辑得到了如潮赞誉，很快就成了一张金唱片，“Loser”也打入了Top10 Ten。不过Beck对于音乐探索的兴趣始终未减，在《Mellow Gold》发行后不久，Beck在两个不同的独立厂牌下便发行了两张不同风格的专辑：一张是更躁、更实验化的《Stereopathetic Soul Manure》、另一张是展现其民谣根源的《One Foot in the Grave》，尽管是在独立厂牌下发行，但其发行数字依然相当不错。1995年，Beck参加了非主流摇滚的顶尖盛会Lollapalooza，随后在1996年发行了在DGC旗下的第二张专辑《Odelay》，评论完全是一边倒的欢呼，《Odelay》中的一些歌词甚至成了当年许多普通美国人的口头禅。当年许多大牌杂志和评论家均将此专辑列为年度专辑，连一贯保守的格莱美也给予了这张专辑数项提名。1998年，专辑《Mutations》发行，次年，受灵魂乐影响的《Midnite Vultures》发行。

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beck

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LADY & BIRD] http://www.emi-artistes.com/ladyandbird/

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1996年的夏天，Club8在致力于打造甜美午睡音乐的西班牙名厂Siesta推出了他们的首张专辑《Nouvelle》，当时Johan和Karolina刚刚20岁出头，是一对热恋中的情侣， Karolina嗓音细腻甜润、浅吟低唱，Johan兼任词曲创作和乐器演奏，纯情动听的编曲恰到好处地嵌合着他的小姑娘，罗致出年少清新的美感和眼神交错时的心动，洒满爱意。有人说，如果现在再听这张唱片， 20岁的声音似乎有种冻结时光的魔力，也许那时两人都希望能永远如此靠近吧，就像两张相邻的书页。由于深受英国传奇厂牌Sarah的影响，此时的 Club8被归类为Anorak Pop，Sarah——一个改变了一代人审美取向的独立厂牌，1995年，在发行完第100张唱片后宣布关闭，这也是他们在成立初期就立下的约定，从开始到结束书写了一剧现实版的童话落幕，除了留下100张低成本高水准的唱片外，也将其唯美抒情、宁静致远的艺术精神深植人心。Club8出现在Sarah关闭后的第一年，无论创作意向还是诗意的气息皆流露出Sarah音乐的遗风，而当年人们心领神会地用“穿着Sarah外衣的可爱乐队”形容他们时，显然已是一个非常隆重而默契的肯定了。

为了能够更直接地抒发真我情怀，Club 8离开了Siesta，投奔了一条DIY的自主之路，从此他们自行制作唱片，只交给唱片公司代为发行，并在1998年推出第二张专辑《The Friend I Once Had》，这时的Karolina和Johan已从恋人成为朋友，而这张专辑正是对这段恋情的追述和纪念。Karolina声音甜蜜如昔，而Johan明显变得强大，在或流畅或悲伤的民谣基础之上埋入温暖的空间感和不张扬但忧悒缠绵的吉他旋律，尝试了摩登电子，也体现了Birt Pop的风华，比起青涩之美的前作融入了更为丰富的变化，不仅仅只是流畅和令人动容的整体旋律，细节部分也谱写得端庄有余、富于韵味，显然他掌握了更多值得推敲和信赖的智谋，也让人不禁对其未来的DIY旅程有所期许，或许他会成为一个风云人物吧？

Indie-Pop
White Wabbit Records

2003
＊Club 8成立至今最完美專輯，2003全新力作，集七年心血昇華再前進，小白兔台灣獨家代理發行！

澄澈，水晶般透明無瑕，是Club 8微泛虹彩暈的色澤；平易近人的旋律內蘊靈動的感性，是他們觸人心絃的特質。這個一男一女的瑞典組合，總能熨貼受傷的情感。纖甜呢喃的女主唱Karolina Komstedt輕聲細訴著種種故事，沒有激情，卻多了一份釋懷似的遙想；Johan Angergard的器樂編排溫存而低調，配合著歌聲迴盪，淡雅的氣氳彌漫著空間，承受這樣清恬的聽覺，總讓人連心胸都開闊了起來。Club 8在安撫你的同時，還能體貼地迴避著內心深處，盛滿幽悒絕望的潘朵拉之盒。

“這張專輯是Club 8至今最好的作品，說是經典也不為過“。行事低調的Johan經營獨樹一格的瑞典清新廠牌Labrador，總是三言兩語簡單地介紹精心製作/發行的專輯，在這張Strangely Beautiful甫一發行的同時，看到這樣信心十足的介紹，不難看出Johan是如何認真地製作，並且對Strangely Beautiful寄予厚望。

經過了七年的歷煉，Club 8脫離了青澀純真的少年情懷，掌握音樂的層次也更加提升。在這張Strangely Beautiful裡面，多樣的音樂風格不一而足：When Lights Go Out是典型的Saint Etienne式靦靦電氣音響；Stay by My Side低迴縹緲；Between Walking and Sleeping是難得的吉他演奏，耽美得令人心碎；This is the Morinig精簡的醇甜，餘韻無窮；俏皮可愛的The Next Thing You’ll Take裡Karolina游刃有餘的輕鬆詮釋，讓人直想奔向湖邊野餐；Johan則在Saturday Night Engine裡熱力十足的玩起搖滾味十足的synth-pop旋轉花車。

總體來說這張專輯的每首歌曲都有清晰的定調，在一貫溫暖的調性之下各有風格，不論是舊雨新知，都不能錯過這張Club 8的全新力作：Strangely Beautiful。

在瑞典，有撰写美妙的旋律的传统，所以这里产生了很多好听的音乐，音乐人也能够以此为生。此外，瑞典人都能说很好的英文，这也帮助他们的音乐变得国际化，所以有那么多非主流的精彩声音通行世界。虽然瑞典是一个人口稀疏的国度，但这里的人对音乐有非常大的兴趣，很多人在很小的时候就开始玩乐器。乐队灵魂Johan九岁的时候，所在的班上都已经开始学习演奏乐器了—-除了两个人，而他就是这两个人之一。但他终于也走上了音乐之路。

1995年，成立Club 8，96年出版第一张唱片《Nouvelle》。七年里，他们曾经在不同的唱片公司出版唱片，其中包括西班牙甜美夏日名厂Siesta公司，后来离开，选择了DIY的自主之路，自行制作唱片，然后交由不同的唱片公司发行，因为这样的方式可以直抒真我情怀。

乐队的标志是女主唱Karolina的飘逸嗓音，七年来，这把声音在多少个寒风袭来的夜晚给无数孤寂心灵带来一丝暖意；乐队的主脑是Johan，他负责Club 8所有歌曲的创作和乐器，同时还和弟弟组成另一支乐队The Acid Kings；除此之外，以音乐为生的他还拥有一间录音棚Summersound Studio，出版了很多专供夏日聆听的惬意声响；最后，他还是Labrador唱片公司的要员。

?Johan喜欢美国导演Woody Allen，Hal Hartly，以及当地著名作家Ulf Lundell，但Club 8的音乐并非受他们影响，而是受其他热爱的乐队和他们自己的生活影响。Johan最喜欢英国乐队The Smiths，对他来说，这支乐队开启了另一个让人目眩神迷的世界的大门；他深信， The Smiths为所有的Indie Pop乐队打开了音乐工业的大门；听到The Smiths，让很多人大开眼界。

Club 8有很多怪习惯，比如说他们不希望太出名，又比如说他们觉得瑞典当地的流行榜上多数是一些垃圾音乐。他们也从来不作现场演出，因为乐队中只有两个人，现场演出无法表现所有乐器，除非是事先制作音乐在现场卡拉OK或者邀请其他乐手，但这都是他们所厌恶的；他们讨厌彩排，也从来不彩排自己的歌曲—-“现场演奏是浪费时间，我们不喜欢、也无法在现场好好演奏”—-仿佛他们生来只为在录音棚里制作美妙的声音。他们习惯把歌写好后，就马上在自己的录音棚里录音，因为这样可以更好地保留创作时最初始的感觉。一般来说，他们的歌曲成品做好离创作的时间最多只有一个星期，有时甚至只是几分钟。

Club 8的音乐风格是Anorak Pop和Easy Listening的混合体，类似的声音我们也许听过，从前的Sarah Record和新干线唱片公司就有很多情调动人的类似出品，但他们又是独一无二的。根据Johan自己的形容，Club 8是：“旋律优美的，哀愁、感性、放松的（Melodic，Melancholic，Sensitive，Ease Down）”，他希望在音乐中更好地表达自己，不希望别人听到他们时说：噢，他们听起来象谁谁谁。

每次听Club 8，让人觉得久违的清新声音，总有一种伤怀的感觉，仿佛回到昔日的青葱校园，怀念久违的面红耳赤，恋爱大过天的天真纯情。永远的甜美而羞涩，永远的青春期，永远的无悔。7年过去，Club 8早已不是当初简简单单地玩乐器唱歌的小男生小女生，抹不去的是那股无邪感觉，还有随年龄增长的淡淡失落。

少女成为妇人，怀念当年的小男孩，眉毛乌黑、嘴唇红润、皮肤光滑、脸庞饱满，干干净净的内向孩子，傻傻的，让人心动。男子也不再是当年的小男孩，但再听Club 8，就知道有人和他一样没有长大，一切都留在不变的音乐里。

除了随时流露的点滴感性心情，音乐是他们生命中的要素， Johan曾经自述：“Music Is The Only Thing That Affects My Life On Every Level Right Now”。…

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簡單講，後搖滾意味著，用搖滾的配器做非搖滾的音樂。吉他不刷扣、彈solo，只用來製造一些聲響；再運用許多電腦科技，合成技術、取樣、電子鼓節奏等等，在以往這些元素如果被用在搖滾樂團上面，馬上會被恥笑，記得VAN HALEN當年加入鍵盤的時候被冷嘲熱諷的慘狀吧。而在後搖滾陣營裡，這些當年不入流的東西，用起來可比吉他solo或是雙大鼓多的多。

曾經有美國朋友開玩笑說，後搖滾就是那十幾二十人的小圈圈自己玩起來的，現在我們所稱的後搖滾名人（團），大多數來自芝加哥，在DRAG CITY、Thrill Jockey、Kranky幾個廠牌底下，開始玩大風吹，出了一系列的專輯，成為一股潮流，我們會將這股音樂潮流稱為後搖滾。

這樣講當然是不夠嚴謹的。

比較安全的講法，與其說POST RCOK是音樂類型，還不如說那是一種作音樂的概念、想法、或是意識型態。無疑的POST ROCK並不是外星物種，也是由一群人慢慢的創造出來，他們依藉著破除一切形式主義的想法，在原有的搖滾樂、爵士樂、室內樂、民族樂等等範疇裡去揉合、突破、實驗、與創新，而之所以我們還稱他們的作品或是行事風格為後搖滾（還有「搖滾」這個字），也不過是後見之明。

文獻回顧一下，最早出現後搖滾這個詞的地方在英國的嚴肅性音樂刊物「The Wire」。1994年，五月號，刊出Simon Reynolds寫的一篇長文—「shacking the rock narcotic」，裡面提到，由於許多開創性的搖滾團體，用了許\多「虛擬」的手法，例如，把傳統搖滾裡經常用的吉他刷扣樂句，用一些取樣自其他唱片的聲軌給替換掉，例如一段Disco節奏或是一小段很聳的合成器音色等等。這樣的搞（想）法，逐漸形成了一個新的樂種，Simon認為要他們一個新的名詞，就是POST ROCK。

到了1994年，後搖滾這個名詞才首度出現在媒體上，當然不代表在這之前就沒有後搖滾這樣的音樂型態，在九零年代之前，就有一大堆實驗派的老學究和浪人不斷的思考、創作、辯証、解構、再解構音樂本質上的問題，也給後搖滾提供了肥沃的土壤；既然是一個大問題，搖滾樂作為一種音樂形式和意識型態，自然不能不撩下去攪和一番。

是與不是

必須強調的是，許多的音樂名詞，都不是規範性的定義，只是歸納的結果，因此這些名詞本身的內涵即是模糊不清的，並沒有很明顯、可以辯明的界線，後搖滾也一樣。因此最快了解後搖滾的方法，就是找來聽！Simon Reynolds認為，第一張後搖滾專輯是Slint在1991年出版的Spiderland（另外還有Talk Talk的Laughing Stock），接著，到了1996年Tortoise的「Millions Now Living Will Never Die」成了一個可以被辨識的里程碑，而從Tortoise的團員們延伸出去的各種團體，早就以美國芝加哥為基地，像蜘蛛網一樣的到處連結、吐絲，交織出一幅「後搖滾」的圖像。

所以，以下這些名字都或多或少會和後搖滾連結在一起：

the Sea and Cake、Labradford、Jim O’Rourke、John McEntire、Sam Prekop、Flying Saucer Attack、Mogwai、Sonic Youth、Gastr del Sol、Main、June of 44、Stereolab、Trans Am、Dirty Three、Terantel、Sonna、Sigur Ros、Windsor for the derby、Bedhead等等。

見山不是山

等你真的找了這些東西來聽以後，你一定會發現「怎麼差這麼多？」沒錯，這就是後搖滾，聽到最後，又會發現，那些團怎麼怪，突然做起舞曲，唱起民謠來了，那就對了，既然這些後搖滾家族，他們創作意念和動機本來就是在打破規則，身為聽眾，又何必去拘泥，限制我們的耳朵與腦袋呢？